安东·柯蒂：艺韵——源自艺术家的良好素质

　　安东·柯蒂是当今世界上录音最多的钢琴家之一。在美国与加拿大的音乐圈内，柯蒂享有崇高的威望，《美国录音指南》称赞他说，“很难说人们是惊异于贝多芬还是柯蒂，因为他们几乎合为一体。”他举办音乐会的足迹遍及欧洲，以及新加坡、中国、日本等国，与纽约爱乐乐团、国立交响乐团、城市交响乐团、费城交响乐团等美国主要交响乐团都有过合作。

　　对作品的过于了解，会使得你对整个音乐的理解受到损害

　　让－波尔纳·帕米耶先生的演讲非常动人，在他刚才的演讲中提到了那么多位出色的音乐家，他跟他们都合作过，我也跟其中的一些著名音乐家有过同样的合作。我的演讲会更基于一个基本的层面，就是来讲讲音乐家应该具备什么样的良好素质，才能提高他的钢琴演奏技巧，才能成为大师级的人物。

　　对于这个话题，我想以自己学习新曲目的方法作为切入点来进行阐释。学新曲目之前，我们都先要对音乐进行一个大概的了解，比如有的人是通过听录音来熟悉音乐的。我在真正学会一段音乐时，我会把它分成几个片段，然后从最后一段开始练习，而不是从第一段开始。

　　当然这是有一些原因的，其中的一个原因就是我想找一个比较短的段落开始，这样我就可以真正地、认真地、从容地对它进行学习。有时候我会坐在钢琴前3个小时、5个小时，甚至6个小时，我找到其中一个段落，然后通过记忆把它背下来，再把所有的演奏技巧的问题解决掉，一次性地把在技能方面的挑战都应对下来。而学得快、记得牢的窍门，就是不断地复习、复习、复习。

　　下面我想谈谈为什么要从最后一个段落开始学习。当然，有几个原因。最后一段比如说是第十段，我学了第十段之后会回过头学第九段，当我学第九段的时候，我就会把第九段跟第十段连起来演奏，这是对第十段的复习。如果我从第一段开始学的话，我会非常着急地往下演奏，如果你要复习前面的段落的话，就会比较受挫。比方说，在学第二段的时候你要重新回去复习第一段的话，就会觉得比较受挫，但是如果你从最后一段开始，就会成为一个很自然的过程，你会很自然地对它进行复习。

　　还有一个原因。一般你用传统的方法来学习的话都是从第一段开始，然后如果出现了问题你就把它解决掉，如果你非常了解第一段，那么再往后演奏的时候，你对这个作品的过于了解，就会使得你对整个音乐的理解受到损害。如果你觉得对音乐的理解应该是逐步增加的话，就不如从最后一段开始演奏，也许这是一个心理作用吧。从最后一段开始，可以鼓励你更多地从底部去了解这个音乐，所以你在学第九段的时候就会自然而然地想到第十段，这样就会出现一个很自然的连续性。如果我先学第一段再学第二段，同时要反过头去复习第一段的话，我就会觉得整个过程不够愉快。

　　关键不在于背谱，而是要去了解音乐的特点，研究如何使得它更有感染力

　　记忆也是很重要的。很多音乐大师不喜欢把谱背下来，贝多芬就喜欢看着谱来演奏。当然，大师们的做法也是不一样的，比如莫扎特就喜欢把谱背下来，这样他对整个音乐就会有很好的控制。讲到背谱，我觉得在今天可能受到了过度的重视，即使像莫扎特这样的大师也不是一直进行背谱的，只有对于喜欢的音乐他才背谱演奏。

　　在我看来，关键不在于背谱，而是要去了解音乐的特点，研究如何使得它更有感染力。我们必须要用自己的心去触碰音乐，要用整个身体去体会它。

　　如果这是一条很重要的弦的话（用手比划拉小提琴的样子），我就会一直地按压它。比方说，你要让小提琴的主弦不断地振动，那你也不能永远地按着那根主弦，只有张弛有度，才能够演奏出音乐来。所以最要注意的是音乐带给你的一种张力，一种连续感，这可以大大地降低它给演奏者带来的压力。

　　我弹奏钢琴已经有很多年了，手腕从来没出现过技能上的障碍。所以我认为，琴弦张弛当中的调节能否做好很重要。我写电子邮件的时候，如果在电脑上工作两个小时，手就酸得不行了，因为我时时举起手臂来都会很紧张。电脑的键盘按下去完全不是音乐的琴键按下去的那种感觉，按音乐的琴键，你可以从身体上感觉到音乐带来的冲击力。对于钢琴这样一种间接振动的乐器，你不是直接触碰到振动的琴弦，所以我们在弹钢琴的过程当中，要让自己感到是在用力地按压那个琴弦，如果你能体会到这一点，就会非常的愉快。弹钢琴弹了6个小时我是不会累的，但如果是玩电脑两个小时，我的手就不行了。

　　如果音乐版本不足以告诉我们所有的音乐细节，那么很重要的一点就是，我们要想想作曲家的意愿

　　接下来我要讲讲音乐版本的问题。

　　在中国，大家可以看到一些最好的音乐版本，但是我的大师班里的一些学生，他们持有的音乐版本实在是太糟糕了，这些音乐版本可以说是“残疾”的。

　　贝多芬的作品是比较特别的，他是一个非常特别的音乐家，他希望把他的音乐用独特的方式呈现给公众。贝多芬的版本里面最重要的一点就是，他的每一个版本都不是完美的，因为不可能达成完美。贝多芬会写一些“Dot”（编者注：附点）或“Stroke”。他曾在自己写的一封信中表现得非常愤怒，他在信里面说，我今天早上一直在跺脚，我对这个录音棚非常的愤怒，因为他们录音的版本跟我写作这个音乐时的意愿是完全不符合的。这个问题我觉得是非常重要的，所以我要讲一讲。我的老师以前没有教过我这点，这其实是个很多人容易忽视的问题。

　　在莫扎特的音乐里面，他的音乐是很清晰的，因为莫扎特也使用“Dot”和“Stroke”。他有时候用半调、全调来进行“Stroke”的写作，所以这个“Stroke”在我的意见当中，在一个完整的版本里面是有很重要的作用的。有五个音乐评论家就“Dot”和“Stroke”写过专门的论文。所以我百分之百地坚信，“Stroke”相对“Dot”而言更为重要，海顿写的音乐里面很少有“Dot”，他写的基本上都是“Stroke”。在莫扎特的音乐里，他会同时用“Dot”和“Stroke”，而且用得同样多，所以他的音乐是与众不同的。

　　如果这里有一架钢琴的话，我就可以给大家演示一下。我唱给大家听听，我唱得不太好。（在演讲台上一边哼唱乐曲，一边解释说）这里有三个“Stroke”，这里的“Stroke”一定是要延续时间比较长的，这样演奏才合理。我发现在我的教学班里面，很多学生在弹琴的时候按压琴键的时间太短了，这就使得音乐的变化没有体现出来，音乐里面蕴含的意义没有体现出来。

　　在贝多芬的作品里面的问题就是，他的“Dot”和“Stroke”是混合的，而且他写得非常模糊，很难进行区分，所以读起来非常难，很难看清楚。同时他的作品前后也不是很一致，在一些协奏曲里面，他有时用“Dot”，有时用“Stroke”，但是他写得太模糊了，让人不知道哪个是哪个。他在有些地方写得很清楚，比如说在《第九协奏曲》里面，这里有很多打点的半音，当然这里听起来不是音符声音，很短的。即使在贝多芬很好的音乐版本里面，我们也必须要注意到这一点。所以我们必须要用我们的艺术本能和敏感度来了解他们的音乐，而不是仅仅从学术的角度来理解它。贝多芬作品里面的“Dot”，有的时候可能是点，有的时候不能理解为点。这里我就不多讲了。

　　最后我想说，如果音乐大师们的音乐版本不是很完美，不足以告诉我们所有的音乐细节，那么很重要的一点就是，我们要想想作曲家的意愿，而不要去受音乐编辑师的影响。谢谢！（全场鼓掌） (本文来源：解放日报 )