浅析如何欣赏音乐（四）(四)

　　乐队的编制很灵活，最基本的是两个部分——节奏组与旋律组。在早期的爵士乐队中，节奏组由低音号、班卓琴和鼓组成，后来，低音号和班卓琴逐渐被低音提琴(倍司)和吉他所取代，钢琴也加入进来。在30年代，兴起一种舞曲乐队，当时称为“大乐队”，它有三部分组成：节奏组、铜管组和木管组。节奏组使用的乐器仍然是低音提琴、吉他、钢琴和鼓;铜管组常见的编制是三支小号和两支长号，但这个数目并不固定;木管组通常由四五支萨克斯管组成，每个人都兼吹单簧管或是别的木管乐器，如果编制是五支萨克斯管，一般是两支中音、两支次中音、一支上低音。还有一种商业性的(有时也称为“甜美型”、“旅馆型”等等)的乐队，编制与“大乐队”差不多，但萨克斯管往往全部用次中音的，木管组会较多地使用其它的乐器(如长笛、双簧管)，有时还加上三四个小提琴，在商品录音带中经常可以听到这类乐队的音响。

　　与传统音乐比较而言，爵士乐的另一大特征是它的发音方法和音色，无论是乐器还是人声，这些特征都足以使人们绝不会将它们与任何传统音乐的音色混淆。这些特殊之处大多来源于用乐器或人声对美洲黑人民歌的模仿。如果我们有机会听到真正的黑人田间歌曲和灵歌，就会发现那些由粗嘎到圆滑、由窒闷到响亮、由刺耳到柔美、由野蛮到抒情的大幅度的变化是多么地富有特色、动人心魄。而在爵士乐中，更加入了非歌唱的吼声、高叫和呻吟，突出了这种感觉。除此以外，特殊的演奏和演唱技巧也是造成特异效果的重要手段，在这些技巧中最常用的是不同于传统观念的颤音。我们知道，所谓颤音是音高(有时也可能是力度)的有规律的变化造成的;比如小提琴上的揉弦，就是利用这种变化而产生富有生命力的音响效果。爵士乐中的颤音是有变化的，变化的方向一般是幅度由窄到宽，速度由慢到快，而且常常在一个音临近结束时增加抖动的幅度和速度，更加强了这种技巧的表现力。同时，在一个音开始时，爵士乐手们会从下向上滑到预定的音高，在结束时，又从原来的音高滑下来。所有这些变化都是无法用乐谱来详细记录的，有经验的爵士乐手都熟练地掌握了这一类的方法、尤其是这种观念，他们可以根据不同的旋律或伴奏音型将这些效果“制造”出来。因此可以这样说：由于即兴的传统和技巧的个人发挥，爵士乐是由作曲家和乐手共同创造的。受过传统教育的音乐家之所以很难表演爵士乐，就是因为他们没有培养出这样的特殊的音乐观念。如果我们细心地比较一下真正的民间歌手和受过正规训练的歌手演唱同一首民歌的差别，对此中的含义就会有一个更直观的概念。

　　从爵士乐诞生之初，它就吸引了众多的转业作曲家。1920年，美国指挥家保罗·怀特曼组织了一支著名的乐队，将改编的爵士乐作品带进了音乐厅。这种新潮流引起了许多“严肃”的爵士乐爱好者的激烈反对，然而，正是从这以后，爵士乐在美国和欧洲家喻户晓，受到广泛的欢迎。格什温的《蓝色狂想曲》在这时诞生，为这部作品配器的人就是怀特曼乐队的作曲家格罗菲。按照手稿上的记录，写这部作品只用了三个星期，演出后几乎是立即引起轰动。欧洲作曲家也有许多以爵士乐为基础或是受爵士乐影响的作品，例如：德彪西的钢琴曲《丑黑怪步态舞》(1908)、《游吟诗人》(1910)、《怪人拉维纳将军》(1910);拉威尔的小提琴奏鸣曲中的慢乐章(布鲁斯);斯特拉文斯基的《11件独奏乐器的雷格泰姆》(1919)、《士兵的故事》(1918)、《黑木协奏曲》;欣德米特的《室内乐第一号》(作品24，无调性)和钢琴组曲(1922)。

　　雷格泰姆(ragtime)

　　在19、20世纪相交之际，美国乐坛兴起了一种简单、质朴，然而又十分吸引人的风格，这就是雷格泰姆。它从1890年前后出现，一直流行到第一次世界大战期间。由于这正是爵士乐的成形时期，因此不少人将它看作爵士乐的早期形式。

　　从字面上看，这个词可以译为“破碎的节奏”，它的主要特征也正是在节奏方面。简单地说，这是一种由班卓琴手们发展起来的风格，以富有弹拨乐器色彩的切分节奏为象征。它与爵士乐的区别是：爵士乐以即兴性为特点，雷格泰姆则基本上是写作出来的;爵士乐主要是用乐队演奏，而雷格泰姆基本上是钢琴音乐。但是，这些都不是不可变更的，雷格泰姆最主要的部分只有两个，就是切分式的旋律和规整的低音部。在雷格泰姆之前的音乐中当然也有切分音，但是对于雷格泰姆来说，这不是可有可无的技法，而是它的精髓之所在。

　　在19世纪末，音乐传播的方式主要是印刷的歌页，而有文化的音乐爱好者的主要乐器是家里的钢琴。那时的流行音乐作曲家都是靠出版歌页来赢得声誉的。1897年，一首名为《密西西比雷格调》的钢琴曲出版了，一时间引起轰动，在千家万户的客厅中响起同一首曲调，标志着一种新的音乐风格已经诞生，它将迅速地风糜美国、传遍世界。两年后，最有名的雷格泰姆作曲家和演奏家司各特·乔普林的名作《枫叶雷格调》(又译《枫叶雷格泰姆》、《枫叶拉格调》)问世，销售量超过100万份。在那时，这个数字是不可思议的，如果再考虑到当时黑人音乐家社会地位之低下，这简直就是个奇迹。

　　下面的谱例就是《枫叶雷格调》的开头部分：

　　早期的雷格歌曲大多是每段16小节，分为句逗清晰的4句，并且多次反复。自从乔普林的《枫叶雷格调》之后，钢琴雷格调形成了几种常用的曲式：AABBACCDD(这是《枫叶雷格调》的结构)、AABBCCDD、AABBCCA。像进行曲一样，雷格调的中段(C段)也是与前后形成对比，常常使用属调。这些都不是什么独特的东西，但它们却成功地将美国黑人的旋律与完全的切分节奏天衣无缝地结合在一起，并以它的朴素、直率和诙谐使得大众更容易接受这种新的音乐风格。

　　布鲁斯(blues)

　　布鲁斯是20世纪初产生在美国黑人中的一种民间音乐。在所有的民歌形态中，它是音乐学者最感兴趣的一种，其原因在于：1，它的“年龄”不大，研究者几乎可以找到它发展轨迹中的所有线索;2，它对西方流行音乐的影响极大，乃至无论我们谈到哪一种流行音乐，都必须提到布鲁斯在其中的影响;3，它的音乐特征和表演风格的演变过程与社会变革密切联系在一起，因此不仅是音乐学家，有一些社会学家一将它作为研究对象。

　　在英语中，blue的意思是悲伤的、忧郁的，在布鲁斯音乐中，这个词的语言含义和音乐特征是联系在一起的。在布鲁斯产生的时代，对于美国黑人来说，忧郁和悲伤就像是生活中无法驱赶的幽灵，它始终笼罩在人们的心里，也就必然会溶入发之于心灵的歌声。由于它的这个特点，许多人认为布鲁斯表演者就是在通过乐器或者歌声表现他的“blues”(愁闷)。有一些布鲁斯音乐家坚持说，他只有处在悲伤或是沮丧的情绪中才能表演这种音乐。由此可见，作为民间音乐而言，忧伤的情绪以及表现这种情绪的手法是布鲁斯音乐的基本特点，也是这种艺术的基本要求。它当然还有技术方面的特征，比如说为了特定的表现目的而使用尖利的、咆哮般的音色、不规则的音高等等;这些技术特点是很容易模仿的，迷恋布鲁斯的人经常强调说，无法模仿的是那种融化在血液中的忧郁。在美国的一些学校爵士乐队里，将一个乐手能否富有表现力地表演布鲁斯视为音乐水平的检验标准，正是看重那些微妙的情感表现能力和即兴能力。

　　布鲁斯是在黑人中产生的，他们大多数没有文化，既不识字，也不会读谱，所以，即兴表演是布鲁斯音乐的特征之一。这种即兴是“全方位”的，不仅音乐，就连歌词也经常是临时发挥;不过，与以即兴为基本特征的爵士乐比较而言，布鲁斯还没有到那种程度。为了使即兴演奏容易一些，布鲁斯音乐使用了许多的固定程式，这样，每个人都知道这段音乐的节奏和词曲配合的大致轮廓，其情形同中国的戏曲有某些类似之处。在这些程式中最常用的一种叫作“十二小节布鲁斯”，当人们说“奏一段布鲁斯”时，通常就是指这种形式。它每段由三句组成，其中的第二句与第一句完全相同，使歌手可以从容地准备即兴的第三句。在这种程式中，和声进行也是固定的，每个乐手都能不加思索地演奏;前四个小节是主和弦，起中两个小节为歌手伴奏，在第四个小节出现一个降低的七级音，然后是两个小节下属和弦(有人声)、两个小节主和弦、两个小节属七和弦(有人声)和两个小节主和弦。这个程式可以用在任何一个调上，但是，就像爵士乐手们偏爱降B调一样，布鲁斯乐手喜欢用E调和A调。