徐沛东谈当下音乐创作：创新必须要有继承(一)

　　我们要积极地投入到继承和创新的伟大事业中去，这是一个永恒的主题，解放思想，更新观念，唤醒创新的激情。如果要有激情就必须解放思想，这是对传统的尊敬，不是背叛，否则将会一点作为和出息都没有。

　　——徐沛东

　　创新必须要有继承

　　什么是“创新”？我个人认为，创新一定是有继承的意义，创新一定是遵循人类自然的发展规律，生理的、思想的等各方面的要求，如果违背了人类的自然的状态，利用假恶丑进行的所谓创新就不能叫创新。举个例子来说，活跃在当前音乐创作前沿的作曲家们，大都是经过严格的、系统的训练，才一步一步走到现在的。现在有很多年轻的学生不以为然，说:“你们过时了，我们现在弄得都是现代派，想怎么着就怎么着”。我要告诉学生们，你可以进行创新理念的研究和探讨，但是必须把你要学的基础学扎实。你必须知道和声的Ⅰ、Ⅳ、Ⅴ为什么会这样?为什么只有这样你听着才舒服。你想创新?可以。要从这个基础上不断地发展!其实我们从和声学来讲，最初的三和弦、七和弦、九和弦、十一和弦等等的发展，到后来多调性的发展已经很丰富了，已是打破了和声所有的戒律了，学作曲的都知道。但是如果你前期不好好地接受基础训练，最后你的创作是没有根的，你写的东西肯定就没有“道理”了。所以我告诉学作曲的朋友们，不要去追时髦，追求那些所谓的创新，觉得好像写得越怪、越奇越好。现在在传统音乐领域中确实有一股这样的风潮，我有时候就很着急，因为我们的同学经过多年的高等音乐学院的学习，毕业出来了应该是社会需要的人才，但是现在这种环境下创作出的作品有多少能用呢?我和中央音乐学院的作曲系主任交谈，现在作曲系的“成活率”相当之低，一个班的大概有20几个学生，能出来一两个就算不错了。为什么?当然整体教学水平有待于思考，那么学习方法也是非常重要的。我在中央音乐学院读书时的老师杜鸣心就曾经这样说:“这没法儿教啊!拿着作业我看不懂!写的什么我不知道，这有点像画。钢琴下不去手，不知道弹什么。”我联想到我们中国音协举办的很多比赛，有的选手拿到了谱子，有时候还得跟他们解释，这样的情况，我甚至觉得这已经不是音乐，而是美术了。

　　继承就是对于前人的优秀文明成果的尊重、敬仰。说实话，我们现在系统的、可追溯的音乐历史才多少年?历史上的那些音乐教育经验、音乐大师的精华，我们现在学都学不完。当然不是说学老师你就必须按照这样的路走，还是要沿着自己的路走。所以在音乐学院训练，第一训练就是要训练基本功，得入门。和声、复调、曲式……你都得搞清楚。我认为更重要的是训练同学们思考问题、解决问题的能力。创新过程是痛苦的，创新的成果是幸福的。没有痛苦就没有幸福。我认为我很多时间并不是用在写作上，而是思考上。怎么样保持一个觉得是自己的一种创造性的状态，拿出一个是自己的语言的东西。我不赞成copy，再说得难听一点我觉得是剽窃。我发现很多学生拿着大师的作品拼凑在一起，甚至把大师的作品倒过来!这不是一种学习的方法。音乐是要从心底流露出来的，因此，你在生活中就得积累，其中就包括民族音乐的积累。

　　我是这样走上音乐道路的……

　　我这里不妨还是“现身说法”，拿我自己的学习经历来做例子。我的音乐创作和学习的过程都还是比较顺利的。那时我们还没有像现在的学生这样有这么好的学习条件。1966年正是“文革”的时候，学校不上课了，我就跟着一些大哥哥大姐姐，到宣传队宣传毛主席思想。那时我对音乐完全是自发的热爱，开始学习时没有老师教。所以我什么都学，二胡、竹板，定音鼓也打过，后来开始学习大提琴。当时宣传队有一个拉大提琴的大哥哥下乡了，没有办法，缺一个声部，人家就让我学。可是没人教，怎么学?仗着我年轻时候有点灵气，就让我和大连歌舞团的一个大提琴老师学习。老师在哪里?在牛棚。把他拉出来，告诉我怎么拉这个东西。他说你这样儿不行，得有教材，他就偷偷地把家里的教材借给我。我就拿着自己买的白纸本子，拿上尺子一张张地画上五线谱，一个音符一个音符地抄。我就是这样走上音乐道路的，一走走到了现在。

　　我确实觉得跟音乐结下了不解之缘。我那时进步得非常快。在学习样板戏时，有个交响乐《沙家浜》的学习班，我是交响乐团《沙家浜》里最小的乐手，放在大提琴声部的最后进行排练。我们乐队虽然说起来是业余的，其实都算准专业——都是各个部队文工团转业的或者是回来的，都是有一定水平的。指挥是沈阳音乐学院的学生，当时排练也都是从简单到难。《沙家浜》第二个乐章《朝霞》很简单，大提琴就是几个长音，几个拨弦。我不知道排练拿这个谱子就要演奏，看他们拉得挺热闹的，我就在旁边偷着看，照着别人做。等到排练到序曲的时候我可以看着谱子拉了，还很带劲儿。后来到了最难的一个乐章《扫荡》，是交响乐大提琴最难的部分时，到最后所有的人拉不下来，我自己却拉下来了，他们就觉得很奇怪。当时的我是不回家的，就住在剧场后台的一个大炕上，天天晚上练，大概也就是几个月的功夫——所以必须要下工夫。

　　我对音乐有一种热爱、执着，然后就到了军队——福州军区歌舞团。到那儿是首席，因为年纪小才16岁，那时候还很张狂，对老同志也常常不放在眼里，经常跟人家说:“哎，你这个音儿错了啊!”要不就是排练时站起来喊“哎，你拉的那是什么东西?”也因这个原因我入党晚了一年。样板戏中我演过的《红灯记》、《智取威虎山》、《沙家浜》、《杜鹃山》，都是不看谱子的，全本儿的背分谱。搞作曲的人知道这个很难背的，但我背下来了。后来我就发现我对作曲很感兴趣，经常琢磨，觉得很有意思，看看谱子，听听别的声音，我在排练的时候几乎不太听自己的，我都听别人的。在座的肯定有学器乐的，将来你们肯定也要分到各个单位去学做一个好的乐手。当然你要当独奏家是另外一码事儿了，好的乐手在乐队里永远关心的是别人，听的是别人的声音，把自己的声部融入到别人的声部里头。差的乐手啊，闷头自己拉不管别人，越拉越累，越拉不到调上。我做指挥的时候，好乐手你指他，他很兴奋，因为他觉得自己很有表现价值，不好的乐手你看他一眼，他马上就错，这就是我的经验。在乐团里我做首席，有个外号叫二指挥。我们的指挥是一位老革命，非常信任我，每次排练有错音的时候我就皱眉头或者是“嗯”，他就马上停下来问我“怎么回事儿?”我就说“长笛音错了”他就查什么音，真的错了。这样就形成了习惯。

　　之前都是自学，后来我自己也找了一些教材，当时都还是属于所谓反动的封、资、修的东西，我就偷偷地学。当时虽然在专业的部队文艺团体，没有你们这么好的学习条件，自己学习写一下和声，试着写一些小的作品，配配器，编个小的组曲。后来考中央音乐学院，人家也差点没要我，就是因为作曲没有道道儿。那时候中国音协的副主席吴祖强老师在全院院务会上说了一句话:“这个人乐队经验丰富，谱子写得非常流利。”就这样我被录取了，我到了学院还是班长。

　　还有积累是非常重要的，你不喜欢民族音乐、不喜欢戏曲音乐，你就没有“粮食”，你的“库”是空的。你光盖房子没有用，你得让自己丰满起来，靠什么?靠平常的积累，这就是要贴近生活。为什么要采风呢?就是要创作者对民族音乐的敬仰，对民族音乐的兴趣，而不是为了完成任务我学段秦腔，学点民歌吧。你要把这种积累融入到你自己的血脉中，那么你再创作的时候就会运用很自如。你要下决心吃点苦积累一点素材，要想办法好好学习，学习的是一种精神。从我自己的创作来看，一定要处理好继承和传统这个关系，一定要踩得实实的，不能还没学会走，就要飞，这样会出问题的。

　　大师的创新之路是一样的

　　刚才谈到对于现代派音乐的认识，我不是反对现代派，而是认为音乐一定要跟我们这个时代的文化需求相符合。有一位音乐家，说过一句很著名的话:有一天，当地球毁灭的时候，外星人来到地球看到的第一个就是rd作曲方法。今天所享受的这些科技成果、文化成果，都是前人一代代样传承下来的东西。你可以创新，但是必须要尊重传统，必须要尊重前人辉煌的成果，何况我们在历史的长河中只是一个小的颗粒。所以音乐创作就是要闯出一条你自己的路来，得有这样的精神，但是一定在“地势坤”的基础上。

　　继承与创新是民族文化的生命之源，继承与创新是文艺大师的成功之路，有很多大师值得我们去学习。在近年热播的电影《梅兰芳》中，有赵季平主席作曲的戏份儿。梅兰芳的成功，不仅仅是演唱上的成功，那是一种艺术上的成功和革命。在他的那个时代，唱得好的人太多了，但是为什么他火了!因为他在继承和创新上有非常独到的思维。他不因循守旧，非常尊重传统，他的唱腔、吐字，包括他的舞蹈、服装、伴奏、起唱腔，都包含着他一系列的创新成果。梅兰芳的成功并不是他一个人的成功，是一群人创新的结晶。京剧本身就是集各地戏剧大成的创新成果，形成一种模式化、程式化之后就很难打破，梅兰芳却在不断地打破，不断地创新，到了新中国成立后还有新的剧目。所以京剧在梅兰芳时代是发展得非常辉煌的。

　　我们要学习大师的精神，首先要学的是他尊重历史、尊重传统。同时，他自强不息，一定要超越自己的路，这点很多大师都是这么做的。凡是有成就的大师，一定有创新的成果。齐白石怎么样?他画的东西和别人不一样，并不是技术到底有多么的娴熟，关键是在于他的文艺思想、精神。所以大师的创新之路是一样的。