艺术教育的前世今生(一)

　　刘逸鸿

　　谈到艺术教育，不能不说说学院。“学院”的历史，颇为遥远，16世纪中叶，也就是1562年意大利艺术家以及理论家瓦萨利在佛罗伦萨创办了欧洲第一所以培养艺术家而非工匠为教育目标的“艺术学院”以来，西方的学校视觉艺术教育已经有了长达500年的历史。学院艺术教育制度的出现和确立以及人文思想的发展和影响，使绘画，雕塑和建筑最终脱离手工艺而成为“纯艺术”，这种以培养艺术家为目标的艺术学院经过200年的发展后，形成了一套完备的学院体系和教学制度。

　　人们开始画画做东西，是原始时代就发生了的事，但是绘画班级的开设却是始于公元前4世纪的希腊。亚里斯多德把绘画列为正式课程---文学，体育，音乐----以外的一门附加科目。亚氏认为绘画教学的主要目的是让孩子学会判断人体结构的美。文艺复兴时期阿尔伯蒂于1434年发表《论绘画》这样的论文中，人显然成为中心。阿在论文中提到的绘画三原则则用实例证明了人文主义者对文学或者历史的偏爱。这三个绘画原则是：1一件绘画作品应该透过一种透视组合和一种以人物为基础的比例方式，使人产生某种空间真实感和历史真实感。2一件绘画作品应该要有取自古典文学作品或圣经故事的主题，一种戏剧性场景或者历史情节。3应该通过适当的运用色彩光比例和构图来突出主题，以求产生一种可能给观众以满足，启迪和恐惧或者训诫的戏剧性效果。最后，当观众的某种道德感悟或者宗教精神被绘画激发出来，作品目的就得到实现，实现这一目的的艺术作品便具有了人文精神和意义。

　　在美国，在18世纪末才出现第一所美术学院—费城美术学院，美国普林斯顿大学在1882年建立了第一个艺术史系，这也是最早的开始了系统性艺术史研究。此前艺术史的教学一般都是始于古典文学系和考古学系。而在学院传统还不算太长的德国，新兴资产阶级出于自己的生存需要，则制造了"美学”这样一个怪胎---现在已经成为一个很“废物”的学科。同时，也有另类，1808年谢林鼓励艺术教师不要把“任何一成不变的法则强加给学生，而是要尽可能的让他们自由的展示自己的独特才能及其观察和模仿事物的方式，由于这样的鼓励，杜赛尔多夫艺术学院开设了影响深远的著名的“大师课程”。

　　19世纪工业革命时期，对设计人才的实用型需求使欧洲各国开始尝试建立一种不同于传统偏重人文教育的艺术学院教育制度的的新型教育机构，德国包豪斯学校就是这种尝试的成功范例和典型结果。在20世纪20年代到30年代，德国艺术的代表主要是贝克曼，马尔克，凯尔希纳等人的表现主义艺术。一战后表现主义在德国盛行一时，但是包豪斯学校的出现却打破了这个局面。他的目标是丰富和扩大艺术的领域，企图把艺术家，工艺家和设计家的培养建立在一种理性的基础上，一方面使他们从毫无生气的学院传统中解放出来，一方面使他们从毫无节制的达达主义和表现主义解脱出来，包豪斯旨在探索一种把艺术学院的理论课程和工艺学校的实践课程结合起来的途径，以便进行艺术与设计教育一体化的尝试。由于当时克利康定斯基等大师对教学的住持，现代艺术和现代设计是同步发展，即使到了当代，设计与艺术之间的鸿沟也是越来越小。

　　谈到现当代艺术和设计的理论问题和历史渊源，包豪斯及二十世纪初期未来主义，至上主义，抽象主义等现代艺术早期流派思想和创作实践 ，是个重要的参照点。包豪斯把设计教育分为两块内容：一是工艺方面，即雕塑，木工，金属工艺。陶瓷，染色玻璃。壁画和编织之类的工作室教学;二是它的影响最大的课程是“基础课程”。学生入学后首先要用六个月的时间来学习这个“基础课程”。设置这类课程的目的是解放学生的创造力，培养他对自然材料的理解能力，使他熟悉视觉艺术中所有创造性活动都必须强调的基础内容。基础课程的创立者伊顿是一个宗教徒，对精神和心智与艺术创造的关系具有深邃的洞察力，他的观念至今仍旧能给我们巨大的启示，我们的当代艺术创作整体状况实际是受到当前学院教育“对解放学生的创造力，培养他对自然材料的理解能力，使他熟悉视觉艺术中所有创造性活动都必须强调的基础内容。”这个问题的重视程度所决定的。